A permanência dos símbolos teriomórficos na arte e na psique / The permanence of sybols in artand in the psyque / La permanencia de los simlolos del teriomorfismo en elarte yen la psique

O artigo trata de símbolos teriomórficos­referidos a animais. A importância que exercem pode ser atestada pela permanência na arte (pinturas parietais até os grafites contemporâneos) e na psique. A perpetuação de símbolos e temas é tratada por estudos como os de Aby Warburg em história da arte, com as noções de Kulturgeschichte, Pathosformele Mnemosyne: a recorrência de temas, emoções e comportamentos revela a perpetuação de símbolos interligados à cultura. Essa recorrência simbólica, em termos psíquicos é entendida por C.G. Jung mediante as noções de arquétipo e inconsciente coletivo. Autores contemporâneos a Warburg e a Jung e seus respectivos conceitos, bem como a apresentação de algumas obras de arte, ilustram a importância dos símbolos teriomórficos .Aventa-se a hipótese de que seja uma necessidade psíquica de reunir a natureza biológica, sua força desejante instintiva com a esfera da mente e do sentido de ser constantemente renovada (AU).

Teriomorphicsymbols refer to animals. The importance they exercise can be demonstrated by the permanence of these symbols both in art (parietal paintings to contemporary graffiti) and in the psyche. The perpetuation of symbols and themes is dealt with by studies suchas those by Aby Warburg in art history: Kulturgeschichte, Pathosformel and Mnemosyne. The recurrence of themes, emotions and behaviors reveals the perpetuation of symbols intertwined with culture. This symbolic recurrence, in psychic terms, is understood by C.G. Jung through the notions of archetype and collective unconscious. Contemporary authors of Warburg and Jungand their respective concepts, as well as the presentation of some works of artillustratethe importance of teriomorphic symbols. It is hypothesized that it is a psychic need to unite the biological nature, its instinctive desiring force with the sphere of the mind and the sense of being constantly renewed (AU).

Los símbolos teriomorfosse refieren a los animales. La importancia que ejercen puede ser atestiguada por su permanencia en el arte (pinturas parietales hasta grafitis contemporáneos) y en la psiquis. La perpetuación de símbolos y temas es abordada por estudios como los de Aby Warburg en historia del arte: Kulturgeschichte, Pathosformel y Mnemosyne: la recurrencia de temas, emociones y comportamientos revela la perpetuación de símbolos entrelazados con la cultura. Esta recurrencia simbólica, en términos psíquicos, es comprendida por C.G. por Jung a través de las nociones de arquetipo e inconsciente colectivo. Autores contemporáneos de Warburg y Jungy sus respectivos conceptos,así como la presentación de algunas obras de arte, ilustran la importancia de los símbolos teriomorfos. Se plantea la hipótesis de que se trata de una necesidad psíquica de unir la naturaleza biológica, su fuerza instintiva deseante con la esfera de la mente y el sentido de renovarse constantemente (AU).

A permanência dos símbolos teriomórficos na arte e na psique / The permanence of teriomorphic symbols in art and in the psyche / La permanencia de los simbolos del teriomorfismo en el arte y en la psique

O artigo trata de símbolos teriomórficos referidos a animais. A importância que exercem pode ser atestada pela permanência na arte (pinturas parietais até os grafites contemporâneos) e na psique. A perpetuação de símbolos e temas é tratada por estudos como os de Aby Warburg em história da arte, com as noções de Kulturgeschichte, Pathosformele Mnemosyne: a recorrência de temas, emoções e comportamentos revela a perpetuação de símbolos interligados à cultura. Essa recorrência simbólica, em termos psíquicos é entendida por C.G. Jung mediante as noções de arquétipo e inconsciente coletivo. Autores contemporâneos a Warburg e a Jung e seus respectivos conceitos, bem como a apresentação de algumas obras de arte, ilustram a importância dos símbolos teriomórficos.Aventa-se a hipótese de que seja uma necessidade psíquica de reunir a natureza biológica, sua força desejante instintiva com a esfera da mente e do sentido de ser constantemente renovada (AU).

Teriomorphicsymbols refer to animals. The importance they exercise can be demonstrated by the permanence of these symbols both in art (parietal paintings to contemporary graffiti) and in the psyche. The perpetuation of symbols and themes is dealt with by studies suchas those by Aby Warburg in art history: Kulturgeschichte, Pathosformel and Mnemosyne. The recurrence of themes, emotions and behaviors reveals the perpetuation of symbols intertwined with culture. This symbolic recurrence, in psychic terms, is understood by C.G. Jung through the notions of archetype and collective unconscious. Contemporary authors of Warburg and Jungand their respective concepts, as well as the presentation of some works of artillustratethe importance of teriomorphic symbols. It is hypothesized that it is a psychic need to unite the biological nature, its instinctive desiring force with the sphere of the mind and the sense of being constantly renewed (AU).

Los símbolos teriomorfosse refieren a los animales. La importancia que ejercen puede ser atestiguada por su permanencia en el arte (pinturas parietales hasta grafitis contemporáneos) y en la psiquis. La perpetuación de símbolos y temas es abordada por estudios como los de Aby Warburg en historia del arte: Kulturgeschichte, Pathosformel y Mnemosyne: la recurrencia de temas, emociones y comportamientos revela la perpetuación de símbolos entrelazados con la cultura. Esta recurrencia simbólica, en términos psíquicos, es comprendida por C.G. por Jung a través de las nociones de arquetipo e inconsciente colectivo. Autores contemporáneos de Warburg y Jungy sus respectivos conceptos,así como la presentación de algunas obras de arte, ilustran la importancia de los símbolos teriomorfos. Se plantea la hipótesis de que se trata de una necesidad psíquica de unir la naturaleza biológica, su fuerza instintiva deseante con la esfera de la mente y el sentido de renovarse constantemente (AU).

Corpo, arte e loucura em Arthur Bispo do Rosário / Body, art and madness in Arthur Bispo do Rosário / Cuerpo, arte y locura en Arthur Bispo do Rosário / Corps, arts et folie chez Arthur Bispo do Rosário

Resumo Este artigo investiga a relação corpo, arte e loucura na obra de Arthur Bispo do Rosário, pelo referencial teórico psicanalítico freud-lacaniano em diálogo com outros campos do saber, a partir das seguintes interrogações: de que maneira a psicanálise dialoga com a temática da arte? Qual o estatuto da arte na psicose? Como sujeitos psicóticos fazem uso da arte, pela via das invenções, a fim de lidar com o corpo e estabilizar seu sofrimento psíquico? Nesse sentido, traçamos considerações sobre o estatuto da arte na psicanálise, levantamos algumas contribuições histórico-filosóficas sobre a relação entre arte e loucura e apreciamos a obra de Bispo à luz das proposições de Jacques Alain-Miller, com vistas a compreender os modos através dos quais a arte produzida por sujeitos em sofrimento psíquico pode servir de anteparo à loucura e favorecer a forma como eles lidam com seu corpo.

Abstract This essay investigates the relations between body, art, and madness in Arthur Bispo do Rosário's oeuvre based on the Freudian-Lacanian psychoanalytic theoretical reference, in dialogue with other fields of knowledge, drawing on the following interrogations: in what ways does psychoanalysis dialogues with the theme of art? What is the status of art in psychosis? How do psychotic individuals use art, through inventions, to deal with the body and stabilize their psychic suffering? In this regard, this paper discusses the status of art in psychoanalysis, brings some historical-philosophical contributions to the relationship between art and madness, and interprets his work in the light of Jacques Alain-Miller's propositions, to understand the ways in which the art produced by subjects in psychological distress can serve as a buffer to madness and favor how they deal with their bodies.

Resumen Este artículo analiza la relación entre cuerpo, arte y locura en la obra de Arthur Bispo do Rosario, por el referencial teórico psicoanalítico freud-lacaniano en diálogo con otros campos del saber, partiendo de los siguientes interrogantes: ¿De qué manera el psicoanálisis dialoga con la temática del arte? ¿Cuál es el estatuto del arte en la psicosis? ¿Cómo sujetos psicóticos hacen uso del arte, por la vía de las invenciones, a fin de tratar con el cuerpo y estabilizar su sufrimiento psíquico? Para ello, trazamos consideraciones sobre el estatuto del arte en el psicoanálisis, levantamos algunas contribuciones histórico-filosóficas sobre la relación arte y locura y apreciamos la obra de Bispo a la luz de las proposiciones de Jacques Alain-Miller, con miras a comprender los modos a través de los cuales el arte producido por sujetos en sufrimiento psíquico puede servir de amparo a la locura y favorecer la forma de cómo lidian con su cuerpo.

Résumé Cet essai étudie les relations le corps, l'art et la folie chez Arthur Bispo do Rosário à partir de la référence théorique psychanalytique freudienne-lacanienne, en dialogue avec d'autres domaines de connaissance, en s'appuyant sur les interrogations suivantes : de quelle manière la psychanalyse dialogue-t-elle avec le thème de l'art ? Quel est le statut de l'art dans la psychose ? Comment les individus psychotiques utilisent-ils l'art, à travers des inventions, pour faire face au corps et stabiliser leur souffrance psychique ? À cet égard, cet article discute du statut de l'art dans la psychanalyse, apporte quelques contributions historico-philosophiques à la relation entre l'art et la folie, et interprète son travail à la lumière des propositions de Jacques Alain-Miller, afin de comprendre comment l'art produit par les sujets en souffrance psychique peut servir de tampon à la folie et favoriser la façon dont ils font face à leur corps.

Da arte figurativa à arte abstrata: uma análise psicológica / Figurative art to abstract art: a psychological analysis / Del arte figurativo al arte abstracto: un análisis psicológico

Este estudo analisa o surgimento da pintura abstrata que se consolida no século XX como um acontecimento que demarca uma ruptura com o projeto comunicacional da arte. Como referencial teórico, será utilizada a interface entre Arte, Psicologia e Filosofia da Diferença que caracteriza a pintura figurativa como um tipo de representação. As referências aos seres do mundo, que dominaram a pintura por milênios, são gradativamente abandonadas e emergem registros das intensidades vividas. A pintura abstrata incide sobre a subjetividade de um modo radicalmente diferente, relacionado com a variação de potência do sujeito que vê a obra. O estudo foi dividido em dois momentos: Primeiramente, será realizada uma explanação sobre a passagem da arte figurativa à arte abstrata. Em seguida, serão consideradas as rupturas que esta passagem implicou. Como conclusão, pode-se dizer que a produção artística contemporânea já absorveu, ao menos em parte, as rupturas subjetivas provocadas pela emergência do abstrato.

Este estudio examina la aparición de la pintura abstracta que se consolida en el siglo XX como un acontecimiento que marca una ruptura con el proyecto comunicacional. Como marco teórico, se utilizará el Arte, la Psicología y la Filosofía de la Diferencia que caracterizan a la pintura figurativa como un tipo de representación. La referencia a los seres del mundo que dominó la pintura durante milenios, poco a poco son abandonados y, en su lugar, emerge el registro de la intensidad. La pintura abstracta se centra en la subjetividad de un modo diferente, relacionado con la variación de la potencia de la persona que ve la obra. El estudio se dividió en dos fases: Primer, se realizará una explicación sobre el pasaje del arte figurativo al arte abstracto. Luego, se considerarán los descansos que este pasaje significa. Como conclusión, la producción artística contemporánea ya ha absorbido las rupturas causadas por la aparición del arte abstracto.

This study examine the emergence of abstract painting that is consolidated in the 20th century as an event marking a break with the communicational art project. As theoretical framework will be used the Art, Psychology and Philosophy of Difference, that characterizes the figurative painting as a kind of representation. References to the world which dominated the paint during millennia are gradually abandoned and, in your place, emerge records intensity experienced. Abstract painting focuses on the subjectivity of a radically different mode that can be related with the power variation of the subject who sees the work. The study was divided into two phases: First, an explanation will be held on the passage from figurative art to abstract art. Then, will be considered breaks that this passage meant. As a conclusion, it can be said that contemporary artistic production already absorbed, at least in part, the subjectivities ruptures caused by the emergence of abstract.

Tarsila do Amaral and Glete de Alcântara: history in art and photography / Tarsila do Amaral y Glete de Alcântara: historia en arte y fotografia / Tarsila do Amaral e Glete de Alcântara: história em arte e fotografia

ABSTRACT Objectives: to analyze the canvas "Retrato de Glete de Alcântara" (freely translated as Portrait of Glete de Alcântara) and discuss the effect of the canvas for Tarsila do Amaral and for Brazilian nursing. Methods: a study in the historical perspective, in the field of visual culture, with analysis in two phases: pre-iconography and iconography. Results: Tarsila do Amaral brings up the woman Glete de Alcântara without the attributes that identify nursing. In this sense, the representation of women on the canvas is a person aligned with the hairstyle of her time, elegantly dressed, with seriousness and haughtiness accentuated by a fixed and directed look. Final considerations: an attempt was made to advance beyond Glete de Alcântara's professional life and her portrayed relationship networks, as well as to approach Tarsila do Amaral's trajectory, beyond the aesthetics and recognition gained.

RESUMEN Objetivos: analizar la pantalla "Retrato de Glette de Alcântara" (traducido libremente como Retrato de Glete de Alcântara) y discutir el efecto de la pantalla para Tarsila do Amaral y para la enfermería brasileña. Métodos: estudio en la perspectiva histórica, en el dominio de la cultura visual con análisis en dos fases: pre-iconografía e iconografía. Resultados: Tarsila do Amaral trae a la baila a la mujer Glete de Alcántara, sin los atributos que identifican a la enfermería. En este sentido, la representación de mujer en la pantalla, se trata de una persona alineada a la moda del peinado de su época de traje elegante, con seriedad y altivez acentuada por la mirada fija y dirigida. Consideración finales: se intentó avanzar más allá de la vida profesional de Glete de Alcântara y sus redes de relaciones retratadas, así como acercarse a la trayectoria de Tarsila do Amaral, más allá de la estética y el reconocimiento adquiridos.

RESUMO Objetivos: analisar a tela "Retrato de Glette de Alcântara" e discutir o efeito da tela para Tarsila do Amaral e para a enfermagem brasileira. Métodos: estudo na perspectiva histórica, no domínio da cultura visual, com análise em duas fases: pré-iconografia e iconografia. Resultados: Tarsila do Amaral traz à baila a mulher Glete de Alcântara, sem os atributos que identificam a enfermagem. Neste sentido, a representação de mulher na tela trata-se de uma pessoa alinhada à moda do penteado de sua época, de traje elegante, com seriedade e altivez acentuada pelo olhar fixo e direcionado. Considerações finais: houve a tentativa de avançar para além da vida profissional de Glete de Alcântara e suas redes de relacionamento da retratada, bem como se aproximar da trajetória de Tarsila do Amaral, para além da estética e o reconhecimento conquistado.

Origen de epónimos médicos derivados de la mitología / Origin of medical eponyms derived from mythology

Resumen: Muchos mitos y leyendas han tenido una profunda influencia sobre el lenguaje médico moderno y están extendidos a todas las especialidades, formando parte de su cultura y de la historia de la Me dicina. Este artículo revisa en forma breve la historia de algunos epónimos los cuales son empleados habitualmente en medicina. Es conocimiento de pocos el origen mitológico en su denominación.

Abstract: Many myths and legends have had a profound influence on modern medical language and are exten ded to all specialties as part of their culture and the history of medicine. This article briefly reviews the history of some eponyms which are usually used in medical practice. It is the knowledge of a few the mythological origin in its denomination.

Maurice Ravel's dementia: the silence of a genius / A demência de Maurice Ravel: o silêncio de um gênio

ABSTRACT Maurice Ravel is one of the most important French musicians. In the last years of his life, Ravel was victim of a dementia of uncertain etiology that caused aphasia, apraxia, agraphia and amusia. The artistic brain of the author of eternal musical compositions was progressively silenced due to his neurodegenerative disease. On the 90th anniversary of Boléro, this historical note revisits Ravel's case and discusses the relationship of his dementia to his artistic production. It illustrates the intimacy that can exist between art, music, creativity, and neurology.

RESUMO Maurice Ravel é um dos músicos franceses mais importantes. Nos últimos anos de vida, Ravel foi vítima de uma demência de etiologia incerta que causou afasia, apraxia, agrafia e amusia. O cérebro artístico do autor de eternas composições musicais foi progressivamente silenciado devido à sua doença neurodegenerativa. No 90° aniversário de Bolero, esta nota histórica revive o caso de Ravel e discute a relação de sua demência em sua produção artística. Ele ilustra a intimidade que pode existir entre arte, música e criatividade com a neurologia.

Cultura y sociedad: Próspero Calderón y su legado para las artes, letras y publicaciones costarricenses / Culture and society: Prospero Calderón and his legacy for Costa Rican arts, letters and publications

Resumen Próspero Calderón (1862-1934) será el primer costarricense que se dedique a la profesión de editor; asimismo, será fotógrafo, docente, diseñador y precursor de las Artes gráficas en el país. Bajo sus ideales de promoción de la cultura se fundan las primeras publicaciones costarricenses en formato de revista: Costa Rica Ilustrada y Páginas Ilustradas, presentando en sus páginas fotografías de H.N. Rudd, Manuel Gómez Miralles y Amando Céspedes, entre otros, así como textos de Joaquín García Monge, Justo A. Facio, Carmen Lyra y Lisímaco Chavarría. Su aporte es imprescindible en el estudio de la sociedad y del arte costarricense en la transición del s. XIX al s. XX. Por lo anterior, para la realización de esta investigación, se recurrió a la Metodología Histórica, desarrollada a partir de las etapas heurística y hermenéutica, para finalizar con una propuesta teórica bajo la figura de Biografía histórica.

Abstract Prospero Calderón (1862-1934) will be the first Costa Rican to devote himself to the profession of editor; Likewise he will be photographer, teacher, designer and precursor of the graphic arts in the country. Under its ideals for the promotion of culture, the first Costa Rican publications are published in a magazine format: Costa Rica Ilustrada and Páginas Ilustradas, featuring on its pages photographs of H.N. Rudd, Manuel Gómez Miralles and Amando Céspedes, among others, as well as texts by Joaquín García Monje, Justo A. Facio, Carmen Lyra and Lisímaco Chavarría. His contribution is essential in the study of Costa Rican society and art in the transition of the s. XIX to s. XX. In order to carry out this research, was used the Historical Methodology, developed from the heuristic and hermeneutic stages, to conclude with a theoretical proposal under the figure of Historical Biography.

El cráneo de la mirada mágica y dentadura de jade / The skull of the magic glimpse and its jade teeth

Se presentan dos esculturas prehispánicas de la cultura azteca, la primera en forma de cráneo a la cual se le tallaron y colocaron ojos de diferentes tipos de piedra, también una dentadura completa y bien alineada hecha de jade. En la zona del occipital se distingue el grabado de un rey desconocido, el cual porta un arete, un penacho y un cetro. La segunda escultura es una charola de piedra tallada con incrustaciones de piedras preciosas de jade y rubí que muestra la imagen del mismo rey sostenida por tres personajes parcialmente desdentados padeciendo de dolor dental. Estos eventos demuestran la importancia de la salud bucal en la población prehispánica, particularmente en la cultura azteca, al igual que la relevancia de los aspectos mágicos y religiosos en torno a la muerte.

It is described a couple prehispanic carved solid stone sculptures of theAztec culture, the fi rst one with a human skull shape, with carved andmounted stone eyes, as well as a complete and fi ne lined jade denture.It is also remarked on its occipital area a fi gure of carved unknownking, wearing a mobile stone earring, a feather cap, and a cane. Thesecond stone sculpture is a carved stone plate with jade and ruby carvedmounted stones. This sculpture also shows the same mentioned kingimage, which is supported by three no complete dental (toothless) maleservants, that resemble the three men suff ering dental discomfort. Thesecouple sculpture pieces show the magical and religious aspects of themighty importance of the death to the Aztecs.

Antimonumentos: trabalho de memória e de resistência / Counter-monuments: resistance and recollection work / Contre-monuments: travaux de mémoire et de résistence / Antimonumentos: trabajo de memoria y de resistencia

Este ensaio apresenta uma reflexão sobre o fenômeno dos "antimonumentos" que surgiram no final do século XX como uma forma de lidar, pelo viés das artes, com a violência de Estado, como nos casos do nazismo e das ditaduras latino-americanas. Este texto faz inicialmente uma retomada da mnemotécnica, ou seja, da antiga "arte da memória", que tem como seu pai mítico Simônides de Ceos, para em seguida apresentar a cena moderna da "arte da memória" sob a rubrica dos antimonumentos. O trabalho apresenta e discute obras de, entre outros artistas, Jochen Gerz, Horst Hoheisel, Andreas Knitz, Marcelo Brodsky e Fulvia Molina.

The essay presents a reflection upon the "antimonuments" phenomena that emerged in the end of the 20th century as a way to deal with authority violence through art, as in the case of Nazism and the Latin American dictatorships. The text begins with an explanation of the mnemotechnic, which means the old "art of memory" that had Simonides of Ceos as its mythic father. Then, the text goes on presenting the contemporary "art of memory" under the sign of "antimonuments". The work also shows and discusses the works of Jochen Gerz, Horst Hoheisel, Andreas Knitz, Marcelo Brodsky and Fulvia Molina, among other artists.

L'essaye présente une réflexion sur le phénomène des "contremonuments" qui ont été construits à la fin du 20ème siècle comme une façon de considérer, à travers l'art, la violence d'État, par exemple les cas du nazisme et des dictatures en Amérique Latine. Le texte commence pat une récapitulation de l'ancienne mnémotechnique, à savoir, l'art de la mémoire ancienne, qui possède comme père mythique Simonide de Céos. Dans un deuxième pas, il présente la scène actuelle de l'art de la mémoire sous la rubrique des contremonuments. Le travail présente et analyse d'œuvres, d'entre outres artistes, de Jochem Gerz, Horst Hoheisel, Andreas Knitz, Marcelo Brodsky et Fulvia Molina.

Este ensayo presenta una reflexión sobre el fenómeno de los "antimonumentos", que surgieron a finales del siglo XX como una forma de abordar, a través de las artes, la violencia del Estado, como en los casos del nazismo y de las dictaduras latinoamericanas. Inicialmente, este texto retoma la mnemotécnica, es decir, el antiguo "arte de la memoria", que tiene a Simónides de Ceos como su padre mítico, y luego presenta la escena moderna del "arte de la memoria", bajo la rúbrica de los antimonumentos. En este trabajo se presenta y se discute obras de artistas como Jochen Gerz, Horst Hoheisel, Andreas Knitz, Marcelo Brodsky y Fulvia Molina, entre otros.

El cadáver humano en el arte y la bioética: la Pietà Rondanini de Miguel Ángel / The human corpse in arts and bioethics: Michelangelo´s Pietà Rondanini

According to bioethics, life is a fundamental but not an absolute good. Therefore the value of a person resides in being alive, no matter in which state such person is. The concept of brain death is legally and ethically accepted as the definition of death. In artworks, human beings are revealed as they are. Michelangelo’s Pietà Rondanini captures and captures what a human corpse is, in its most intimate appearance. The artist boldly reveals its essence.

A representação da mulher e do homem na arte ocidental / The representation of women and men in Western Art

Este trabalho faz referência às temáticas apresentadas na arte ocidental, explicando sua pouca ou nenhuma variação ao longo dos séculos. Aborda o tema da mulher como objeto, as causas e consequências desse tipo de representação, e faz comentários sobre a censura às obras de arte.(AU)

This work refers to the themes presented in Western Art, explaining its little or no change over the centuries. It addresses the issue of women as objects, the causes and consequences of that type of representation, and comments on the censorship of works of art.(AU)

Vaslav Nijinsky, una mirada psicoanalítica sobre su arte y su locura / Vaslav Nijinsky, a psichoanalytic approach about his art and madness

Se realiza en el presente escrito una mirada a partir de ciertos conceptos del psicoanálisis lacaniano sobre el acto creador de un artista como Nijisnky. Se tomarán algunos aspectos sobre su obra y su arte enunciados por expertos de la disciplina y se pondrá el acento en los efectos que tal acto produjo sobre su vida y la historia del arte. A partir de la lectura de sus “Cahiers” se procura extraer cierta lógica de su delirio y cuáles son los elementos mediante los cuales intenta reestablecerse de su caída. Se desarrollan fundamentalmente dos: La creación de una nueva escritura universal de la danza a partir de un viejo sistema de notación; y el comienzo de la escritura de sus Cahiers con vistas a su publicación para el mundo. Asimismo se realiza una breve presentación del artista. A partir de la lectura de estudiosos especializados se mencionan las características de su arte que implican un cambio irreversible en la historia de la danza y sus relaciones con la locura de que es presa luego de su desencadenamiento.

The aim of this paper do a look based on certain Lacanian psychoanalytic concepts to the Nijinsky creative act. It will take some aspects of his work and art, in the words of experts of the discipline and we will focus on the effects that such act was in his life and the history of the art. Based upon reading his /"Cahiers/" we try to extract some logic of his delirium and which are the elements through which tries to reestablish his fall. We will develop mainly two: The attempt to create a new universal dance writing from an old notation system; and the beginning of the writing of his Cahiers to publish it to the world. We also makes a brief presentation of the artist. From reading specialized scholars we mention the characteristics of his art which involve an irreversible change in the history of dance and its relationship to his madness.

Expresionismo y revolución: el abismo de la realidad / Expressionism and revolution: the abism of the reality / Expressionismo e revolução: o abismo da realidade

En este estudio se plantea el paso de la conciencia expresionista a la conciencia crítica; es decir, la evolución del Expresionismo artístico hacia la creación de la Teoría Crítica sociológica en la Alemania de la República de Weimar. De este modo, se repasan los procesos sociales y culturales que dieron lugar a un tipo de Arte en el que se reflejaban las profundas y dramáticas contradicciones de las primeras décadas del siglo XX, subrayándose por tanto como la Escuela de Frankfurt en su primera Generación (Adorno, Horkheimer, Benjamín) significó el punto de inflexión fundamental para analizar y entender filosófica y sociológicamente estas complejas y profundas contradicciones colectivas, así como sus consecuencias históricas posteriores.

This study emerges from the expressionist consciousness about the critical consciousness; in other words, the evolution of the artistic expresionism toward the creation of the critical Theory in the Germany of the Republic of Weimar. In this way, the social and cultural processes that gave place to a type of Art in which there were reflected the deep and dramatic contradictions of the first decades of the XXth century are revised, being underlined, therefore, that the School of Frankfurt in his First Generation (Adorno, Horkheimer, Benjamin) is the point of fundamental inflection to analyse and to understand philosophical and sociologically these complex and deep collective contradictions, as well as its subsequent and later historical consequences.

Neste estudo expõe o a passagem da consciência expressionista para consciência crítica; isto é, a evolução do Expressionismo artístico até a criação da Teoria Crítica sociológica na Alemanha na República de Weimar. O texto faz uma revisão dos processos sociais e culturais que deram lugar a um tipo de Arte na qual se reflete as profundas e dramáticas contradições das primeiras décadas do século XX, destacando-se como a Escola de Frankfurt, em sua primeira Geração (Adorno, Horkheimer, Bejamin), significou o ponto de inflexão fundamental para analisar e endender filosófica e sociologicamente estas complexas e profundas contradições coletivas, assim como suas consequências históricas posteriores.