Mal do século: meio ambiente e doença no filme "Safe" (1995) de Todd Haynes / Evil of the century: environment and disease in the film "Safe" (1995) by Todd Haynes / El mal del siglo: medio ambiente y enfermedad en la película "Safe" (1995) de Todd Haynes

O filme "Safe" (1995), dirigido por Todd Haynes, conta a história de Carol White, dona de casa de classe média alta em Los Angeles, que começa a sofrer de uma misteriosa alergia aos frutos da "modernidade" (alimentos ultraprocessados, produtos sintéticos e poluição). Realizado décadas atrás, o filme é atual para criticar a sociedade contemporânea, explorando a desconexão e o vazio existencial nas crises ambientais. A resenha se aprofunda nos dilemas sofridos pela personagem que, apesar de viver em um ambiente abastado, sente-se alienada e busca refúgio em um grupo que oferece uma solução pseudocientífica para seu mal. O filme se posiciona como uma crítica à sociedade de consumo e às consequências das políticas neoliberais, questionando a eficácia de soluções superficiais para problemas profundos e sistêmicos.

The film "Safe" (1995), directed by Todd Haynes, tells the story of Carol White, an upper-middle-class housewife in Los Angeles, who begins to suffer from a mysterious allergy to the fruits of "modernity" (ultra-processed foods, synthetic products and pollution). Despite being made decades ago, the film is current in criticizing contemporary society, exploring the disconnection and existential void in environmental crises. The review delves into the dilemmas suffered by the character who, despite living in a wealthy environment, feels alienated and seeks refuge in a group that offers a pseudoscientific solution to her illness. The film positions itself as a critique of consumer society and the consequences of neoliberal policies, questioning the effectiveness of superficial solutions to deep, systemic problems.

La película "Safe" (1995), dirigida por Todd Haynes, cuenta la historia de Carol White, una ama de casa de clase media alta de Los Ángeles, que comienza a sufrir una misteriosa alergia a los frutos de la "modernidad" (alimentos, productos ultraprocesados, productos sintéticos y contaminación). A pesar de haber sido realizada hace décadas, la película está vigente en su crítica a la sociedad contemporánea, explorando la desconexión y el vacío existencial en las crisis ambientales. La reseña profundiza en los dilemas que sufre el personaje que, pese a vivir en un entorno acomodado, se siente alienada y busca refugio en un grupo que ofrece una solución pseudocientífica a su enfermedad. La película se posiciona como una crítica a la sociedad de consumo y las consecuencias de las políticas neoliberales, cuestionando la efectividad de soluciones superficiales a problemas sistémicos profundos.

A atenção psicológica: reflexões entre psicanálise e cinema / Atención psicológica: reflexiones entre psicoanálisis y cine / Psychological attention: reflections between psychoanalysis and cinema

Este artigo investiga possíveis analogias entre a escuta e o olhar do documentarista Eduardo Coutinho e a atenção psicológica psicanaliticamente orientada. A filmografia de Eduardo Coutinho questiona a simples dualidade entre realidade e ficção. Também a psicanálise questiona essa dualidade, a partir de noções como realidade psíquica e realidade material, por exemplo. Freud chegou a afirmar que o aparelho psíquico se constitui enquanto ficção, problematizando os limites entre a realidade objetiva e o vivido. Em uma situação de análise, é por meio da associação livre por parte do paciente e da escuta interessada que acredita na verdade do sujeito por parte do analista que podem ocorrer transformações, de modo que representações sejam modificadas, situações traumáticas elaboradas, o sofrimento dirimido. Nesse caso, tanto a atenção psicológica quanto a de Eduardo Coutinho estariam atestando a existência dos sujeitos por meio de uma abertura radical à alteridade e tomando a existência também em sua vertente ficcional.(AU)

This article investigates possible analogies between the documentarian's, Eduardo Coutinho's, listening and view, and psychoanalytical attention. Coutinho's filmography questions the simple duality between reality and fiction. Psychoanalysis, too, questions this duality, from notions such as psychic reality and material reality. Freud went on to affirm that the psychic apparatus is constituted as fiction. In a situation of analysis, and through free association, by the patient, and interested listening, which believes in the subject's truth, by the analyst, transformations may occur, in a way that representations can be modified, traumatic situations elaborated, suffering settled. In this case, both psychoanalytical, as well as Eduardo Coutinho's listening, would be attesting the subject's existence through a radical opening to otherness and taking existence in its fictional aspect.(AU)

Este artículo investiga posibles analogías entre el estilo del documentalista Eduardo Coutinho y la atención psicológica de orientación psicoanalítica. La filmografía de Eduardo Coutinho cuestiona la dualidad entre realidad y ficción. El psicoanálisis también cuestiona esta dualidad, a partir de nociones como realidad psíquica y realidad material, por ejemplo. Freud planteó que el aparato psíquico se constituye como una ficción, problematizando los límites entre la realidad objetiva y lo experimentado. En una situación de análisis, es a través de la asociación libre por parte del paciente y de la escucha interesada del analista que cree en la verdad del sujeto que pueden ocurrir transformaciones, de manera que se modifican representaciones, se elaboran situaciones traumáticas, sufrimiento esta resuelto. En este caso, tanto la atención psicológica como la postura de Eduardo Coutinho estarían dando fe de la existencia de los sujetos a través de una apertura radical a la alteridad y tomando también la existencia en su aspecto ficcional.(AU)

Producción y distribución de largometrajes de ficción en maranhão: contradicciones de un mercado invisible en brasil

El estado de Maranhão ocupa un escenario peculiar en el mercado cinematográfico brasileño. Las producciones de ficción en forma de largometrajes tuvieron sus primeras incursiones a mediados de la década de 2000. En un marco desarrollado por la investigadora en su disertación de maestría en curso de História (Silva, 2018), y actualizado hasta 2022, catalogamos veintidós películas, solo seis de los cuales fueron registrados en la Agencia Nacional de Cine. La principal metodología utilizada fue la recolección e interpretación de datos, además de entrevistas no estructuradas o no estructuradas (Lakatos y Marconi, 2003). Como principales resultados podemos señalar: en Maranhão, el mercado es predominantemente informal, con momentos ocasionales de formalidad. La conclusión inicial de nuestra investigación es que el factor económico asociado a la falta de políticas públicas, sumado a la falta de cursos de educación superior en la zona, son los principales impulsores de este incipiente escenario.

The State of Maranhão occupies a peculiar scenario in the Brazilian film market. Fiction productions in the form of feature films had their first forays in the mid-2000s. In a framework developed by the researcher in her masters dissertation in History (Silva, 2018), and updated up to 2022, we cataloged twenty-two films, only six of which were registered in the National Film Agency. The main methodology to be used will be the collection and interpretation of data, in addition to unstructured or unstructured interviews (Lakatos and Marconi, 2003). As main results, we can point out that, in Maranhão, the market is predominantly informal with occasional moments of formality. The initial conclusion of our research is that the economic factor associated with the lack of public policies, added to the lack of higher education courses in the area, are the main drivers of this incipient scenario.

Effect of Subtitles on Gaze Behavior during Shot Changes: An Eye-tracking Study.

The study provides a comprehensive picture of the effect of subtitles on the gaze behavior of the participants while watching continuity editing and discontinuity editing style cinema. Three video clips (with English subtitles and without subtitles) of continuity editing and discontinuity editing styles were presented to participants. The video clips came from English movies and the participants were not native English speakers. Entry time, dwell time, first fixation time, scan path, and average fixation duration were taken as dependent variables in this within-group study. The eye-tracking data gathered were subjected to repeated measures of two-way ANOVA and paired t-test. Results revealed that the appearance of subtitles at the bottom of the screen changed the eye movement pattern of the participants during the shot changes. Timing of the subtitle starting point (before the cut or after the cut) also affected the gaze behavior. The editing style, however, did not make any difference in the gaze behavior of participants while watching subtitled video clips. Further, participants preferred reading subtitles to seeing visual images even if the subtitles were presented during the shot changes.

Este estudio provee una imagen completa del efecto de subtítulos en el comportamiento de la mirada en múltiples participantes viendo películas elaboradas con edición continua y discontinua. Tres videoclips (con y sin subtítulos en inglés) con estilos de edición continua y discontinua fueron presentados a los participantes. Los videoclips fueron extraídos de películas de habla inglesa, y los participantes no eran hablantes nativos de inglés. Tiempo de entrada, tiempo de permanencia, tiempo de primera fijación, trayectoria de escaneo, y duración promedio de fijación, fueron tomados como variables dependientes en este estudio entre grupos. La data de rastreo ocular recolectada fue sometida a un ANOVA de dos vías de medidas repetidas y a pruebas-t pareadas. Los resultados revelaron que la presencia de subtítulos en la parte baja de la pantalla cambió el patrón de movimiento ocular de los participantes durante los cambios de toma. El momento de aparición de los subtítulos (antes o después de los cortes) también afectó el comportamiento de la mirada. Sin embargo, el estilo de edición no generó ninguna diferencia en el comportamiento de la mirada de los participantes mientras veían los videoclips subtitulados. Adicionalmente, los participantes prefirieron leer los subtítulos que ver las imágenes visuales, incluso si estos subtítulos se presentaban durante cambios de toma.

Bioética e integración de la inteligencia artificial en la medicina: reflexiones desde el cine sobre la condición humana y la responsabilidad hacia las generaciones futuras / Bioethics and Integration of AI in Medicine: reflections from Cinema about the Human Condition and Responsibility towards Future Generations

La discusión sobre la ética en torno a la inteligencia artificial y la medicina ha ganado cada vez más relevancia en el ámbito académico y público. Independientemente de los diversos enfoques, hay un hecho innegable: la práctica médica y todos los agentes involucrados, tanto profesionales como usuarios, se verán condicionados por la inteligencia artificial. En este análisis ético narrativo, basado en el cine, se aborda la condición humana y la responsabilidad hacia las generaciones futuras como elementos cruciales dentro de la discusión bioética y fundamentales para lograr una incorporación reflexiva y coherente de la inteligencia artificial en la medicina. Como conclusión, se propone que la autenticidad, la responsabilidad y el diálogo son pilares esenciales en el proceso de integración de esta tecnología

The discussion on the ethics surrounding artificial intelligence and medicine has gained increasing relevance in the academic and public sphere. Regardless of the various approaches, there is an undeniable fact: medical practice and all the agents involved, both professionals and users, will be conditioned by artificial intelligence. In this narrative ethical analysis, based on cinema, the human condition and responsibility towards future generations are addressed as crucial elements within the bioethical discussion and fundamental to achieve a thoughtful and coherent incorporation of artificial intelligence in medicine. In conclusion, it is proposed that authenticity, responsibility and dialogue are essential pillars in the process of integration of this technology

Onde Vivem os Monstros? Enlaces entre Cinema, Adolescência e Horror / Where do the Monsters Live? Links Between Cinema, Adolescence and Horror / ¿Dónde Viven Los Monstruos? Vínculos Entre Cine, Adolescencia y Horror

Partindo da ideia de Stephen King de que as produções de horror servem como um barômetro muito preciso que aponta aquilo que aterroriza uma sociedade, este artigo tem como objetivo propor uma reflexão acerca dos enlaces entre adolescência, cinema e horror, no momento em que a adolescência como categoria social se consolida, isto é, nos anos 1950. Para isso, realizamos uma revisão bibliográfica sobre a relação entre horror, monstruosidade e cultura, assim como sobre o desenvolvimento dos gêneros cinematográficos horror e teen movies. Também realizamos sucintas análises fílmicas de algumas obras importantes na história desses gêneros cinematográficos. Observamos que, se, por um lado, com o surgimento dos teen movies, as telas do cinema passam a ser habitadas por monstros adolescentes, por outro, os discursos com pretensão de cientificidade nos falam sobre uma adolescência monstruosa. A partir disso, concluímos que talvez haja uma intrigante equivalência cultural entre adolescência e monstruosidade: tanto monstros quanto adolescentes trazem à luz algumas questões fundamentais para o ser humano, encarnam aquilo para o que não temos resposta, apontam os limites do saber.

Based upon Stephen King's idea that the horror productions act as a barometer, pointing out what terrifies some societies, this article aims to propose some thoughts about the possible links among adolescence, cinema, and horror, around the time adolescence emerges as a consolidated social category (in the 1950s). In order to achieve that, we researched the relations between horror, monstrosity, culture, and the development of the horror and teen movies cinematographic genres. We also made a brief film analysis of some important works in the history of these cinematographic genres. We notice that two events occurred in parallel: the emergence of teenage monsters in teen movies on the cinema screens and the allegedly scientific discourses about a monstrous adolescence. We have concluded that perhaps there is a cultural equivalence between adolescence and monstrosity: monsters and teenagers bring to light some fundamental questions for the human being; they incorporate things to which we do not have an answer and point out the limits of our knowledge.

Partiendo de la idea de Stephen King de que las producciones de terror sirven como un barómetro muy preciso que señala lo que aterroriza a una sociedad, este artículo pretende proponer una reflexión sobre los vínculos entre la adolescencia, el cine y el terror, en el momento en el que la adolescencia se consolida como una categoría social, es decir, en la década de 1950. Para ello, realizamos un repaso sobre la relación entre horror, monstruosidad y cultura, así como sobre el desarrollo de los géneros cinematográficos horror y teen movies. También hicimos un breve análisis fílmico de algunas películas importantes en la historia de estos géneros cinematográficos. Observamos que, por un lado, con la aparición de los teen movies, las pantallas de cine ahora están habitadas por monstruos adolescentes, por otro, los discursos con pretensión de cientificidad nos hablan de una adolescencia monstruosa. De esto, concluimos que puede haber una equivalencia cultural intrigante entre la adolescencia y la monstruosidad: tanto los monstruos como los adolescentes sacan a la luz algunas preguntas fundamentales para los seres humanos, encarnan aquello para lo que no tenemos respuesta, señalan los límites del saber.

Cinemar a vida: clínica e capitalismo / Movie life: clinic and capitalismo / Filmer la vie: clinique et capitalisme

Neste artigo, retomamos uma trajetória que Gilles Deleuze e Félix Guattari fizeram, sobretudo em O anti-édipo (1972), para mostrar como o capitalismo opera axiomatizando os fluxos desejantes de maneira a centrar na propriedade privada toda a desterritorialização dos processos subjetivos. A reterritorialização única, no caso, no familismo, é também o modo de operar da psicanálise que tem édipo como estrutura, indicam os autores. Aqui, trazemos o cinema como um terceiro acontecimento do final do século XIX, em que uma ordem linguageira e representacional vem a conter as invenções de espaços e tempos de seus primeiros anos. Por fim, voltamo-nos à prática artística e aos processos clínicos que, com o cinema, retomam modos de fazer imagens e fazer a si, e que colocam o cinema como forma que pensa. Apresentamos e discutimos o cinema na clínica retomando os fluxos desejantes e suas possibilidades de encontrar reterritorializações múltiplas, em obras e territórios existenciais.

In this article we resume a trajectory that Gilles Deleuze and Félix Guattari followed, especially in The anti-Oedipus (1972), to show how capitalism operates by axiomatizing desiring flows in a way that centralizes on private property all the deterritorialization of the subjective processes. Unique reterritorialization is also the modus operandi of psychoanalysis which has Oedipus as its structure, indicate the authors. Here we bring cinema as a third event of the late 19th century in which a linguistic and representational order comes to contain the inventions of spaces and times of its early years. Finally, we turn to artistic practice and clinical processes which, with the cinema, take up the ways of making images and oneself, which place cinema as a form that thinks We present and discuss cinema in the clinical processes, retaking the desiring flows and their possibilities of finding multiple reterritorializations in artworks and existential territories.

Dans cet article nous reprenons une trajectoire de Gilles Deleuze et Félix Guattari, notamment dans L'Anti-Œdipe (1972), pour montrer comment le capitalisme opère en axiomatisant les flux désirants afin de centrer toute la déterritorialisation des processus subjectifs sur la propriété privée. La reterritorialisation unique est aussi le mode opératoire de la psychanalyse qui a Œdipe pour structure, indiquent les auteurs. Nous pensons ici le cinéma comme un troisième événement de la fin du XIXe siècle dans lequel un ordre linguistique et figuratif vient calmer les inventions d'espaces et de temps de ses premières années. Enfin, nous nous tournons vers la pratique artistique et les processus cliniques qui, avec le cinéma, reprennent les manières de faire des images et de se faire et qui placent le cinéma comme image qui pense. Nous présentons et discutons le cinéma dans la clinique, reprenant les flux désirants et leurs possibilités de trouver de multiples reterritorialisations, dans des œuvres et des territoires existentiels.

Como fazer carreira em publicidade com Massumi, Shaviro e Whitehead: cinema e acontecimento comunicacional / How to get ahead in advertising with Massumi, Shaviro and Whitehead: cinema and communicational event / Cómo triunfar en publicidad con Massumi, Shaviro y Whitehead: cine y evento comunicacional

Cinema é comunicação? Ou apenas em certas circunstâncias? E, nessas circunstâncias, estaríamos diante de que natureza de evento? Um "acontecimento comunicacional"? A partir do detalhamento do conceito de "corpo cinemático" de Shaviro, da "intensidade das imagens" de Massumi e da fenomenologia de Whitehead faremos um Estudo de Caso: o evento proporcionado pela exibição do filme How to Get Ahead in Advertising [Como Fazer Carreira em Publicidade] (1989) para uma classe de graduação do curso de Publicidade e Propaganda. Efeitos ideológicos por meios não ideológicos (afetos, intensidades e sentimentos) seriam os resultantes dos acontecimentos comunicacionais?

Could cinema provide communication? Or only in certain circumstances? And under these circumstances, what kind of event would we be facing? A "communicational event"? From the details of Shaviro's concept of "cinematic body", Massumi's "image intensity" and Whitehead's phenomenology, we will make a case study: the event provided by the exhibition of the film How to Get Ahead in Advertising (1989) to a graduate class of the Advertising and Propaganda course. Are ideological effects through non-ideological means (affections, intensities, and feelings) the ones resulting from communicational events?

¿El cine es comunicación? ¿O solo en determinadas circunstancias? Y en estas circunstancias, ¿a qué tipo de evento nos enfrentaríamos? ¿Un "evento comunicacional"? A partir de los detalles del concepto de "cuerpo cinematográfico" de Shaviro, la "intensidad de la imagen" de Massumi y la fenomenología de Whitehead, haremos un estudio de caso: el evento que brinda la exhibición de la película How to Get Ahead in Advertising [Cómo Triunfar en Publicidad] (1989) a un graduado clase del curso de Publicidad y Propaganda. ¿Los efectos ideológicos a través de medios no ideológicos (afecciones, intensidades y sentimientos) son el resultado de eventos comunicacionales?

Desrostificação e nomadopolítica em bla bla bla (1968), de Andrea Tonacci / Defacement and nomadopolitics in bla bla bla (1968), by Andrea Tonacci / Desfiguración y nomadopolítica en bla bla bla (1968), de Andrea Tonacci

Este texto é fruto de parte da pesquisa de doutorado em que buscamos defender, nas três primeiras produções do cineasta Andrea Tonacci, um nomadismo do pensamento, haja vista que, com suas imagens fílmicas, ele realiza um esforço de criação que foge ou faz fugir os mecanismos de poder e controle, optando pelo que vai além da opinião, dos clichês e da conservação, buscando doar um caráter revolucionário e minoritário à sua arte, possibilitando maquinar e construir junto a sua imagem novos sentidos, por meio da promoção do encontro capaz de fazer explodir as forças intensivas e ativas uma vez presentes nelas. Aportamo-nos no média-metragem Bla Bla Bla (1968), de forma a buscar perceber como, nesta película, Tonacci realiza movimentos inventivos de desrostificação, capazes de denunciar o esgotamento de um rosto político e abrir a sua imagem a novas possibilidades, realizando, com isso, uma nomadopolítica, atitude típica de um cinema-menor.

This text is the result of part of the doctoral research in which we seek to defend, in the first three productions of filmmaker Andrea Tonacci, a nomadism of thought, because with his filmic images, he makes an effort of creation that escapes the mechanisms of power and control, opting for what goes beyond opinion, clichés and conservation. Thus, he gives a revolutionary and minority character to his art, making it possible to machine and build new meanings together with his image. Based on his film Bla Bla Bla (1968), we will seek to understand how Tonacci carries out inventive movements of defacement, capable of denouncing the exhaustion of a political face and opening his image to new possibilities, thus realizing a nomadopolitics, a typical attitude of a minor cinema.

Este texto es el resultado de parte de la investigación doctoral en que buscamos defender, en las tres primeras producciones del cineasta Andrea Tonacci, un nomadismo de pensamiento, ya que con sus imágenes fílmicas realiza un esfuerzo de creación que huye o hace huir de los mecanismos de poder y control, optando por lo que va más allá de la opinión, de los clichés y de la conservación, buscando dar un carácter revolucionario y minoritario a su arte, posibilitando la construcción de nuevos significados junto a su imagen. A partir de su mediometraje Bla Bla Bla (1968), buscaremos comprender cómo, en este filme, Tonacci realiza movimientos inventivos de desfiguración, capaces de denunciar el agotamiento de un rostro político y abrir su imagen a nuevas posibilidades, realizando así, una nomadopolítica, actitud típica de un cine menor.

La otra llave, la poética propia de los cortometrajes de ficción / The other key, the poetics of short fiction films

Este escrito es un extracto de la Tesis Final de la Licenciatura de Medios Audiovisuales de la UNTDF del autor, en la que se expusieron los resultados de una indagación académica sobre las especificidades del formato cinematográfico denominado "cortometraje", estudiando aquellos aspectos que hacen que el mismo sea un producto audiovisual autónomo respecto del largometraje. El trabajo también comprendió una Memoria Crítica sobre el proceso de creación, producción y realización de una obra audiovisual del autor, un corto de ficción denominado La otra llave, que aquí se comenta y comparte

This paper is an extract from the author's Final Thesis of the UNTDF Audiovisual Media Degree, in which the results of an academic investigation on the specificities of the cinematographic format called "short film" were presented, studying those aspects that make the itself be an autonomous audiovisual product with respect to the feature film. The work also included a Critical Report on the process of creation, production and production of an audiovisual work by the author, a short fiction called The Other Key, which is commented and shared here

Bertie y Hamlet, dos príncipes en abismo / Two Princes in Abyss

El recurso de la narrativa literaria permite analizar el film "El discurso del Rey" desde una perspectiva diferente a las disponibles. Se trata de leerlo a partir del concepto de puesta en abismo (mis en abyme), encontrando una escena dentro de la escena, en la que la segunda ofrece las pistas para inteligir claves de la primera. Este recurso se aplica a dos pasajes clave del film, permitiendo así analizarlo como una ficción clínica y comprender mejor las vicisitudes psicológicas del personaje y sus posibles salidas

The resource of literary narrative allows us to analyze the film "The King's Speech" from a different perspective than those currently available. It is a matter of reading it from the concept of "mis en abyme", finding a scene within the scene, in which the second offers the clues to understand the keys of the first. This resource is applied to two key passages of the film, thus allowing it to be analyzed as a clinical fiction and to better understand the psychological vicissitudes of the character and the possible ways out of it

Contágio: cinema, divulgação científica e o potencial preditivo da ciência / Contagion: cinema, science communication and the predictive potential of science / Contagio: cine, divulgación científica y el potencial predictivo de la ciencia

Esta resenha aborda o filme Contágio (Contagion), longa-metragem norte-americano de 2011, com direção de Steven Soderbergh e roteiro de Scott Z. Burns. O filme acompanha a trajetória de disseminação de um vírus zoonótico a partir de Hong Kong para o resto do mundo. Enquanto isso, autoridades científicas e sanitárias se mobilizam para combater a nova doença, que rapidamente atinge diversos países, fazendo milhares de vítimas. Em 2020, a procura pelo thriller aumentou devido à semelhança com a pandemia de covid-19, evidenciando o potencial do cinema para a divulgação científica ao abordar conceitos, processos e controvérsias da ciência. Com um roteiro cientificamente apurado, Contágio também ressalta o potencial preditivo da ciência em relação a emergências sanitárias.

This review addresses the 2011 American feature film Contagion, directed by Steven Soderbergh and screenplayed by Scott Z. Burns. The film follows the trajectory of the spread of a zoonotic virus from Hong Kong to the rest of the world. Meanwhile, scientific and health authorities are mobilizing to fight the new disease, which is rapidly reaching several countries, claiming thousands of victims. In 2020, the demand for the thriller increased due to the similarity with the covid-19 pandemic, highlighting the potential of cinema for science communication by approaching science's concepts, processes and controversies. With a scientifically accurate script, Contagion also underlines the predictive potential of science in relation to health emergencies.

Esta reseña aborda el largometraje estadounidense de 2011 Contagio (Contagion), dirigido por Steven Soderbergh y con guión de Scott Z. Burns. La película sigue la trayectoria de la propagación de un virus zoonótico desde Hong Kong al resto del mundo. Mientras tanto, las autoridades científicas y sanitarias se movilizan para combatir la nueva enfermedad, que rápidamente llega a varios países y se cobra miles de víctimas. En 2020 aumentó la demanda del thriller por la similitud con la pandemia del covid-19, destacando el potencial del cine para la divulgación científica al abordar conceptos, procesos y controversias de la ciencia. Con un guión científicamente certero, Contagio también destaca el potencial predictivo de la ciencia en relación con las emergencias sanitarias.

Estudo psicanalítico do filme "divórcio: até que o amor exploda" / Psychoanalytic study of the brazilian film "divórcio: até que o amor exploda" / Estudio psicoanalítico de la película brasileña "divórcio: até que o amor exploda"

RESUMO O presente estudo tem como objetivo refletir sobre a idealização imaginativa do vínculo conjugal que motiva o casamento, mas compromete sua continuidade e o provimento de cuidado aos filhos. O estudo se articulou metodologicamente por meio da abordagem do filme brasileiro "Divórcio: até que o amor exploda", de Pedro Amorim, que permite uma clara apreciação psicanalítica da configuração vincular entre cônjuges, sustentando a produção interpretativa de três campos de sentido afetivo-emocional ou inconscientes relativos ao enredo: "Até que a morte nos separe", "Era vidro e se quebrou" e "Usando os filhos". Deixando claramente demonstrada a imaturidade da idealização, esse estudo aponta para a importância de debate sobre novas formas de associação entre conjugalidade e parentalidade.

ABSTRACT The study discussed the imaginative idealization of conjugal bond which motivates marriage but compromises its continuity, as well as the provision of care to the children. The study was methodologically articulated on the approach of the Brazilian movie "Divórcio: até que o amor exploda", directed by Pedro Amorim. The movie allows a clear psychoanalytical appreciation of the connection configuration between spouses, supporting the interpretative production of three affective-emotional meaning fields or unconscious related to the plot: "Until death do us part", "It was glass and it broke" and "Using children". By clearly demonstrating the immaturity of idealization, this study points to the importance of debating on new forms of association between conjugality and parenting.

RESUMEN Este estudio tiene como objetivo reflexionar sobre la idealización imaginativa del vínculo conyugal que motiva el matrimonio, pero compromete su continuidad y la provisión de cuidados a los hijos. Se articuló metodológicamente en el abordaje de la película brasileña "Divórcio: até que o amor exploda", dirigida por Pedro Amorim, que permite una clara apreciación psicoanalítica de la configuración de vinculación entre conyuges, apoyando la producción interpretativa de tres campos del sentido afectivo-emocional, o inconscientes relacionados con la trama: "Hasta que la muerte nos separe", "Era vidrio y se rompió" y "Usando los hijos". Dejando claramente demostrada la inmadurez de la idealización, este estudio apunta a la importancia del debate sobre nuevas formas de asociación entre conyugalidad y parentalidad.

Human: true or false? Man, myth and cinema.

The fear of robots is recurrent in science fiction literature and cinema. However, I see the robotization of humans in contemporary society is increasing. Identity crisis, automation, dehumanization: what distinguishes human from android? The film Blade Runner, from Ridley Scott (1982), points out aspects of identity, memory, empathy and bond, escaping the Manichean dualism between humans and androids, provoking questions about society and the human condition. The work of art fulfills a visionary function when it captures and translates to the collective aspects of the spirit of the time, transposing into questions and new forms, anticipating and problematizing themes, foreseeing possible solutions, mobilizing the collective conscience. This article presents an analysis based on some thematic snippets from Blade Runner and tries to answer the questions: which mythical themes emerging from the collective consciousness take shape in this classic film? How does the work update the myth?

La peur des robots revient de manière récurrente dans la littérature et le cinéma de science-fiction. Pourtant j'observe une robotisation des humains dans la société contemporaine. La crise d'identité, l'automatisation, la déshumanisation: qu'est-ce qui distingue l'humain de l'androïde? Le film Blade Runner, de Ridley Scott (1982), souligne des aspects de l'identité, de la mémoire, de l'empathie et du lien, qui échappent au dualisme manichéen entre les humains et les androïdes, soulevant des questions sur la société et la condition humaine. L'œuvre d'art remplit une fonction visionnaire quand elle saisit et traduit les aspects collectifs de l'esprit de l'époque, les transposant en questions et en formes nouvelles, anticipant et problématisant des thématiques, envisageant des solutions possibles, mobilisant la conscience collective. Cet article présente une analyse qui s'appuie sur de courts passages thématiques de Blade Runner. Il tente de répondre à la question suivante: quels thèmes mythiques - émergeant de la conscience collective et recréés dans le film classique - sont incarnés? Comment est-ce que l'œuvre d'art met à jour le mythe?

El miedo a los robots es recurrente en la literatura de ciencia ficción y en el cine. Sin embargo, veo crecer la robotización de los seres humanos en la sociedad contemporánea. Crisis de identidad, automatización, deshumanización, ¿qué diferencia a los seres humanos de los androides? La película Blade Runner, de Ridley Scott (1982) destaca aspectos de la identidad, memoria, empatía y lazos, que escapan el dualismo Maniqueo entre los seres humanos y los androides, creando interrogantes acerca de la sociedad y de las condiciones humanas. El trabajo artístico cumple una función visionaria cuando captura y traduce al colectivo aspectos del espíritu de los tiempos, trasponiéndolo en preguntas y nuevas formas, anticipando y problematizando los temas, anticipando posibles soluciones, movilizando la consciencia colectiva. El artículo presenta un análisis basado en algunos fragmentos de Blade Runner, e intenta responder las siguientes preguntas: ¿cuáles son los temas míticos, que emergiendo de la consciencia colectiva y recreados en el clásico filme, están tomando forma? ¿cómo este trabajo actualiza el mito?

O medo de robôs é recorrente na literatura de ficção científica e no cinema. No entanto, vejo crescendo a robotização dos seres humanos na sociedade contemporânea. Crise de identidade, automação, desumanização: o que distingue humano de andróide? O filme Blade Runner, de Ridley Scott (1982), aponta aspectos de identidade, memória, empatia e vínculo, escapando do dualismo maniqueísta entre humanos e andróides, provocando questões sobre a sociedade e a condição humana. A obra de arte cumpre uma função visionária quando captura e se traduz nos aspectos coletivos do espírito da época, transpondo para questões e novas formas, antecipando e problematizando temas, prevendo possíveis soluções, mobilizando a consciência coletiva. Este artigo apresenta uma análise baseada em alguns trechos temáticos de Blade Runner e tenta responder às perguntas: quais temas míticos emergentes da consciência coletiva recriada no filme clássico tomam forma? Como o trabalho atualiza o mito?

Pistas do trabalho de Paulo Benedetti como gestor e produtor de cinema em Barbacena-MG no início do século XX / Ways from paulo benedetti's work as manager and cinema producer in Barbacena-Minas Gerais-Brasil at the beginning of the 20th century

O objetivo deste artigo é apresentar pistas do trabalho de gestão e produção de cinema realizado por Paulo Benedetti em Barbacena-MG no início do século XX. Para isso, recorreu-se a análise documental. Conclui-se que Benedetti foi pioneiro na inauguração da primeira casa de projeção fixa de Barbacena e das primeiras filmagens realizadas na cidade; o seu trabalho não foi desenvolvido unicamente de modo autônomo, pois o mesmo filmou também junto a acordos comerciais; houve diversidade de temáticas em seus roteiros, que incluíram, por exemplo, diferentes locais de Barbacena e outros divertimentos da época; a produção dos filmes se deram por motivação própria e também via encomendas.

This article aims to present clues to the work of film management and production carried out by Paulo Benedetti in Barbacena-Minas Gerais-Brasil at the beginning of the 20th century. For this, we resorted to document analysis. It is concluded that Benedetti was a pioneer in the inauguration of the first fixed projection house in Barbacena and the first filming carried out in the city; his work was not developed solely autonomously, as he also filmed together with commercial agreements; there was a diversity of themes in their scripts, which included, for example, different places in Barbacena and other entertainments of the time; the production of the films took place by their motivation and also via commissions.

Arte marcial, cinema e espiritualidade: corpo, pedagogia e ritualidade / Martial art, movie theater and spirituality: body, pedagogy and rituality / Arte marcial, cine y espiritualidad: cuerpo, pedagogía y ritualidad

Este ensaio filosófico visa apresentar uma reflexão a respeito da espiritualidade no contexto marcial. Para isso, primeiramente será realizada uma breve interpretação do filme "Primavera, Verão, Outono, Inverno... e Primavera", do cineasta coreano Kim Ki Duk, buscando problematizar algumas relações a respeito do cinema, espiritualidade e artes marciais, sobretudo, na dimensão de combate interior e aperfeiçoamento de si que este filme apresenta. Posteriormente, será feita uma discussão a respeito da espiritualidade e suas relações com o corpo no contexto marcial, buscando expor a dimensão mística da unidade com o todo em detrimento de uma individualidade centrada em si. Também serão explicitados elementos que denotam um caráter sagrado e metafísico no contexto marcial, quais sejam: corpo sutil, rituais e a relação particularmente espiritualizada entre o mestre e os aprendizes.

This philosophical essay aims to present a reflection on spirituality in the martial context. For this, first, a brief interpretation of the film "Spring, Summer, Autumn, Winter... and Spring", by Korean filmmaker Kim Ki Duk, will be performed, seeking to problematize some relationships regarding cinema, spirituality and martial arts, especially in dimension of inner combat and self-improvement that this film presents. Later, there will be a discussion about spirituality and its relationship with the body in the martial context, seeking to expose the mystical dimension of unity with the whole at the expense of an individuality centered on itself. Elements that denote a sacred and metaphysical character in the martial context will also be explained, namely: subtle body, rituals and the particularly spiritualized relationship between the master and the learners.

Este ensayo filosófico tiene como objetivo presentar una reflexión sobre la espiritualidad en el contexto marcial. Para ello, en primer lugar, se realizará una breve interpretación de la película "Primavera, verano, otoño, invierno ... y primavera", del cineasta coreano Kim Ki Duk, buscando problematizar algunas relaciones en torno al cine, la espiritualidad y las artes marciales, especialmente en la dimensión de combate interior y superación personal que presenta esta película. Posteriormente, se hablará sobre la espiritualidad y su relación con el cuerpo en el contexto marcial, buscando exponer la dimensión mística de la unidad con el todo a expensas de una individualidad centrada en sí misma. También se explicarán elementos que denotan un carácter sagrado y metafísico en el contexto marcial, a saber: cuerpo sutil, rituales y la relación particularmente espiritualizada entre el maestro y los aprendices.

The spectacle of feminism and machismo in two Peruvian cumbia singers: Marisol and Tony Rosado.

The objective of this research is to analyze and interpret the entertainment section of the most important media in Peru, concentrated on two private companies: Grupo La República and Grupo El Comercio, with great journalistic dominance of national information. The entertainment section is as old as the foundation of the newspapers themselves. The method of analysis with qualitative documents has allowed us to reach the conclusion that the fight for gender equality promoted by the government is a spectacle for the national press. The entertainment section of the Peruvian press has exposed the private lives of representative characters such as the singers Marisol, "La Faraona de la Cumbia" and Tony Rosado, "El Ruiseñor de la Cumbia", from there the differences in feminism tolerated in Marisol and machismo censored in Rosado are popularized. It is concluded that the exposure of the struggle for gender equality is entertainment news where machismo and feminism are underhandedly justified with the parameter established with these public figures, that is, Peruvian cumbia singer-songwriters, and that offers evidence of the tolerance to the feminine voice that incites machismo, justifies the mistreatment of men and makes the male complaint a synonym of cowardice.

Application of cinematographic vignettes to teaching in Mental Health / Aplicación de viñetas cinematográficas a la docencia en Salud Mental.

In this work some ideas about the possible relationships between cinema and psychopathology are presented. To carry out this task, the results of an experience carried out at the IUSAM-APdeBA are described, where a particular way of telling patient stories is explored, which is the cinematographic story. One of the many possible varieties of communicating clinical cases, in addition to the classic written and oral forms, is the audiovisual format. It is known that it is not easy to find good patient stories; even more so in these times where the possibilities of communicating real cases have been restricted by ethical-legal regulations. It has been observed that the audiovisual clinical vignettes extracted from the cinematographic stories can be a very useful tool for the purposes of discussion, exchange and teaching in psychopathology.

En este trabajo se presentan algunas ideas en torno a las relaciones posibles entre cine y psicopatología. Para llevar adelante esta tarea se describen los resultados de una experiencia realizada en el IUSAM-ApdeBA donde se explora un modo particular de contar historias de pacientes que es el relato cinematográfico. Una de las tantas variedades posibles de comunicar casos clínicos, además de las clásicas forma escrita y la oral, es el formato audiovisual. Es sabido que no resulta fácil encontrar buenas historias de pacientes, más aun en estos tiempos donde las posibilidades de comunicar casos reales se ha visto restringido por normativas ético-legales. Se ha podido observar que las viñetas clínicas audiovisuales extraídas de los relatos cinematográficos pueden resultar una herramienta de gran utilidad para fines de discusión, intercambio y docencia en psicopatología.

Luz, câmera, cocriação: o cinema documentário como inspiração para descolonizar a produção de conhecimentos / Lights, camera, co-creation: documentary cinema as an inspiration to decolonize knowledge production

RESUMO O artigo discute o papel do cinema documentário como inspiração para o desenvolvimento de metodologias sensíveis co-labor-ativas em campos interdisciplinares como a saúde coletiva, envolvendo a aproximação entre cientistas, cineastas e movimentos sociais em torno de problemas de saúde e ambiente. O artigo ancora-se na noção de tornar comum usada por Paulo Freire, e na obra de Boaventura de Sousa Santos denominada de epistemologias do Sul e sua proposta para descolonizar o conhecimento, o que inclui a realização de ecologias de saberes. A partir de tais referenciais, o documentário é refletido para além de uma obra artística e autoral apoiado na ciência, mas enquanto emergência de novas epistemes e saberes conectados a lutas sociais e processos emancipatórios que podem inspirar a renovação teórico-metodológica na produção de conhecimentos. No artigo, selecionaram-se dois documentários que versam sobre as lutas contra a agricultura capitalista e os efeitos do uso intensivo de agrotóxicos, assim como a promoção da agroecologia e da reforma agrária como alternativas para sociedades mais justas, saudáveis e sustentáveis. Como resultado, a análise de tais documentários demonstra o potencial de reunir ciência, política, arte e ética enquanto práticas interdisciplinares e interculturais de co-labor-ação, coprodução e cocriação.

ABSTRACT The article discusses the role of documentary cinema as inspiration for the development of sensitive collaborative methodologies in interdisciplinary fields, such as collective health, involving the approximation between scientists, filmmakers, and social movements around health and environmental problems. The article is anchored on the notion of making common used by Paulo Freire and in the work of Boaventura de Sousa Santos, called Epistemologies of the South, and his proposal to decolonize knowledge, which includes the realization of ecology of knowledges. From such references, the documentary is reflected beyond an artistic and authorial work based on science, but as an emergence of new epistemes and knowledge connected to social struggles and emancipatory processes that can inspire theoreticalmethodological renewal in the production of knowledges. In the article, we selected two documentaries that address the struggles against capitalist agriculture and the effects of the intensive use of pesticides, as well as the promotion of agroecology and agrarian reform as alternatives for fairer, healthier, and more sustainable societies. As a result, the analysis of those documentaries demonstrates the potential of bringing together science, politics, art, and ethics as interdisciplinary and intercultural practices of co-labor-action, co-production, and co-creation.

Melancolia e juventude num mundo sem perspectivas no ambiente onírico do filme "O professor substituto" / Melancolía y juventud en un mundo sin perspectivas en la atmósfera onírica de la película La última lección / Melancholy and youth in a world without prospects in the dreamlike environmentof the movie School's Out / Mélancolie et jeunesse dans un monde sans perspectives dans l'environnement onirique du film L'heure de la sortie

Dada a sobreposição de acontecimentos traumáticos a catástrofes anunciadas ­ tais como o colapso climático vindouro e os desmandos das autoridades que compõem a política e economia neoliberais ­ e a forma como esses acontecimentos reverberam no psiquismo dos jovens, o objetivo deste artigo é apresentar o filme O professor substituto de modo a tomá-lo como alegoria para a função traumatolítica dos sonhos e do cinema. Foi possível discutir uma das características da contemporaneidade, que favorece certa melancolização do laço social entre os jovens inseridos em uma sociedade distópica. Diante de tais acontecimentos, uma das evidências encontradas foi que a confiança dos sujeitos foi a mais penalizada, e por conta disso coube alargar a noção de esperança

Dadas la superposición de eventos traumáticos a catástrofes anunciadas (como el colapso climático que se avecina y los abusos de las autoridades que componen la política y la economía neoliberales) y la forma en que esos eventos repercuten en el psiquismo de los jóvenes, el objeto de este artículo es presentar la película La última lección para tomarla como alegoría de la función traumatolítica de los sueños y del cine. Se pudo discutir una de las características de la contemporaneidad, que favorece cierta melancolización del vínculo social entre los jóvenes insertados en una sociedad distópica. Ante tales hechos, una de las evidencias que vimos fue que la confianza de los sujetos fue la más penalizada, y por eso hubo que ensanchar el concepto de esperanza

There is an overlap of traumatic events and announced catastrophes (such as the coming climate collapse and the abuses of the authorities that make up neoliberal politics and economics) and a way those events reverberate in the psyche of young people. In that context, the purpose of this article is to present the movie School's Outin order to take it as an allegory for the traumatolytic function of dreams and cinema. We discussed one of the characteristics of contemporaneity that favors a certain melancholyzation of the social bond among young people inserted in a dystopian society. Considering such events, one of the evidences found was that the subjects'trust was the most penalized, and because of that, it was necessary to broaden the notion of hope

Compte tenu de la superposition d'événements traumatiques aux catastrophes annoncées ­ tels que le collapse climatique à venir et les dérives des autorités qui composent la politique et l'économie néolibérale ­ et la façon dont ces événements se répercutent dans le psychisme des jeunes, le but de cet article est de présenter le film L'heure de la sortie afin de le prendre comme une allégorie de la fonction traumatolytique des rêves et du cinéma. Il a été possible de discuter d'une des caractéristiques de la contemporanéité, qui favorise une certaine mélancolisation du lien social chez les jeunes insérés dans une société dystopique. Face à de tels événements, une des preuves trouvées était que la confiance des sujets était la plus pénalisée et, pour cette raison, il était nécessaire d'élargir la notion d'espoir